Spesso ci si chiede : questa è arte ? Non esiste Arte senza AuraCONSULENTE D’ARTE ITALIA  

L’aura è il charisma dell’artista , depositario di un’ idea, prima che di una technè , definizione greca dell’arte ancora valida ma non sufficiente.

Tecnica, ma soprattutto  Idea. In ‘Teoria dell’arte’, Josè Jimenez spiega bene come l’Idea , la Noesis, il processo mentale sia alla base della maggior parte dell’arte novecentesca, sia la vera rivoluzione , più ancora dell’abolizione della prospettiva e della creazione dell’Astrattismo .

Scrive Andy Warhol (guru del Pop e emblema del rischio, secondo Arthur Danto, della fine dell’arte, con la sua ‘Brillo Box’, scatolone da supermercato,  esposta in un Museo,) , in La filosofia di Andy Warhol:

“Alcune aziende erano interessate all’acquisto della mia Aura. Non volevano i miei prodotti, continuavano a dirmi : Vogliamo la tua Aura. …Non sono mai riuscito a capire che cosa volessero, ma sarebbero stati disposti a pagare un mucchio di dollari per averla. Ho pensato allora che se qualcuno era disposto a pagarla tanto, avrei dovuto provare ad immaginare CHE COSA FOSSE”.

No, l’Arte non è morta con la “Brillo box” esposta e l’Aura nemmeno, Danto ha ritrattato anni dopo, affermando che si trasforma, come un mutante, ma non muore. Warhol stesso ne parla, di questo mistero dell’Aura d’artista. Dissacrante, ironico e iconico.

Iconico, aggettivo chiave. L’Aura, questa ineffabile essenza d’artista, à la Man Ray o à la Piero Manzoni (quello era il fiato d’artista,  ma sempre di respiro carismatico si tratta ), è sicuramente iconica. Fissa l’immagine carismatica della creatività artistica in un’idea. La Fontana di Marcel Duchamp, i baffi della sua Gioconda, Il Ferro da stiro con i chiodi ( oggetto minacciosamente erotico quanto quotidianamente inutile e pericoloso) di Man Ray, per fare solo alcuni esempi famosi.

Ma a voler bene guardare, il chiodo piantato nel bel mezzo della tela di George Braque  ‘Brocca e Violino’ del 1909-10 era già , oltre che un oggetto vero e proprio parte di una tela bidimensionale (preludio agli oggetti cubisti successivi e soprattutto al salto dalla tela alla realtà tridimensionale di moltissima arte novecentesca e contemporanea), un ‘IDEA, con la sua aura iconica indiscutibile.

Gli esempi potrebbero essere infiniti , fino agli attuali Damien Hirst con le sue provocazioni iconiche fin dagli esordi ,  Jeff Koons con i suoi ‘Puppies’ e via dicendo.

Alessandro dal Lago scrive, nel suo testo illuminante Mercanti  d‘Aura, che l’aura è viva e vende bene.CONSULENTE D’ARTE ITALIA

 

I musei l’acquistano, i collezionisti la desiderano, il pubblico ne resta a volte sgomento, a volte attratto. Vende.

Per noi macchine desideranti, è l’oggetto del desiderio, un possesso materiale che nasconde e svela un possesso immateriale mille volte più potente, perché iconico, quasi divino nel suo pagano trasgredire la tradizione, l’idea di bello e di tutto ciò che era regola  ( technè).

Walter Benjamin ha aperto il varco sul tema della possibilità dell’Aura di sopravvivere all’era della  riproduzione tecnica artistica.

L’alone di unicità che avvolgeva l’opera classica o comunque tradizionale non trovava più corrispondenza nell’arte contemporanea, in cui l’Aura definisce l’attitudine di un’opera d’arte a produrre un dato effetto sul pubblico in termini simili a ciò che appunto in filosofia o sociologia ( si veda Max Weber) viene definito CARISMA .

Movimenti come Dada, Futurismo , Cubismo stavano intaccando ogni pretesa di ieraticità dell’arte, con gli oggetti incastrati sulle tele, poesie come ‘INSALATE DI PAROLE’, de-sacralizzazione dell’immagine e via dicendo .

Si possono affermare tre grandi temi secondo Del Lago sulla perdita dell’aura temuta nel XX secolo 

-l’arte si de-sacralizza, anche per via di un pubblico sempre più vasto a partire dal XIX secolo ;

-questa sorta di de-sacralizzazione è potenziata dalla riproduzione meccanica delle immagini ;

-le Avanguardie, infine, determinano quasi il funerale dell’aura, con le loro ricerche di materiali  e linguaggi che vengono dalla quotidianità. E’ l’esatto opposto di ciò che aveva fatto l’Arte fino a quel momento:  sacralizzare,  creare altari atemporali e non tollerare il transeunte.

In quel momento, con Salons e Musei, il pubblico si divide fra quello privato che colleziona e quello dell’arte pubblica e monumentale.

L’Aura non muore, così come non muore l’Arte ; non scompare ma cambia, si trasforma, evolve

 

L’Aura di un’opera è l’effetto che produce, effetto che muta con il tipo di opera e la tipologia di pubblico .

Aura e Simulacro sono due termini avvicinabili,  nell’arte contemporanea.

Il Simulacro deriva dal latino simulare e significa statua . In realtà, il Simulacro va ben oltre questo.

E’ un ente che  va oltre un ‘Idea.

L’Arte, con la sua aura carismatica, classica o contemporanea che sia, ha sempre realizzato simulacri . Monna Lisa, ad esempio, la celeberrima Gioconda, non è né la vera dama di Firenze né la sua idea, anche se è entrambe le cose. Va però oltre : oltre la realtà e oltre l’idea, unita a noi attraverso quella carismatica particella detta Aura.

Si deve aggiungere un fatto tipico dell’arte oggi : la sua tendenza, come tutto in economia, a diventare BRAND . Un simulacro ‘brandizzato’, sponsorizzato, promosso sapientemente,  ma non per questo meno potente.  Oggi  è il marchio stesso che vuole essere Arte, analizza acutamente Dal Lago.

Foucault, per chiudere questo veloce  excursus sul carisma dell’idea nell’arte specie contemporanea, di cui The Art Time si occupa, ha  ben compreso cosa sia questo Simulacro .

Per lui era la Pop Art  l’Arte emblematica del nostro tempo, non a caso come scrisse anche Arthur Danto  .

Dopo l’Idea nelle Avanguardie storiche, la Pop Art è ciò che di più potente ha rappresentato l’arte di questo tempo, un’arte capace di rendere al meglio il ruolo delle immagini nel nostro immaginario .

Il mondo è visto come una gigantesca raccolta di Simulacri. Sono tutti uguali , perché oggetti di uno scambio universale, e tutti diversi, perché come la vita variano di continuo, una sorta di superfetazione da supermercato dell’arte.

Siamo, oggi più che mai (più ancora che al tempo di Warhol, nel  nostro tempo potenziato con Instagram , Pinterest e social vari) condannati alle immagini, a vivere di esse. Certo ci   resta,  per ora,   la possibilità di scegliere fra loro.

L’Aura sopravvive perché l’Arte diviene sì nel tempo, sempre più mutante, ma in quanto Arte,  permane.

Come il carisma è immateriale, ciò che resta è l’idea, i valori che ci trasmette, non l’oggetto in sé.

L’Arte per questo crea civiltà , sempre.

 

CONSULENTE D’ARTE ITALIA

Si è conclusa l’edizione 2018 della fiera di Basilea; arte, stile,  mercato miscelati assieme ai massimi livelli di affluenza, attenzione e tendenza.

Quattro giorni di artisticità, creatività, immaginazione, vip collectors e mondanità. Arte versione DeLuxe.

Alcuni momenti artistici clou sono stati:

• Binomio  Lee-Perrotin:  l’esposizione del francese Bernard Frize nello spazio di  gemellaggio Simon LEE + Galerie Perrotin; uno spazio attiguo e suggestivo collocato su due piani diversi ha ospitato i colori ariosi e astratti del suggestivo pittore
• Storia dell’arte al climax: omaggio a Robert Indiana ( e ai suoi iconici LOVE Pop ) e doppio omaggio a Sebastian Matta e Marcel Duchamp per la galleria svizzera , con sede anche a New York, Gmurszynska
• XX secolo in primo piano : un omaggio allo sviluppo delle tendenze che hanno segnato il Novecento ( Mirò, Picasso, Calder fra gli altri ) voluto dalla galleria londinese Helly Nahmad
• Picasso superstar : in concomitanza con la mostra-blockbuster alla Tate Modern dedicata all’iconico artista, anche Basilea celebra Picasso e le sue donne con la Fondation Beyeler; un bronzo dell’amante Dora Maar, tre masterpieces e altri volti sfaccettati incoronano il periodo anni Trenta, quello che lo ha visto letteralemente trionfare con dipinti femminili ormai leggendari;
• Ruinart e Liu Bolin : l’artista cinese, conosciuto come The Invisible Man, è stato l’artista partner della casa di champagne  per l’edizione Basel 2018
• NetJets e la street art : dopo 17 anni di partnership fra NetJets e Art Basel, la compagnia aerea collabora con Oli-B, artista di strada, pittore e illustratore  di Brussels; al NetJets vip lounge dell’Art Basel collectors lounge, Oli-B ha posizionato un’installazione innovativa su svariate superfici ( tela, carta, legno e muro) con molteplici tecniche, fra cui spray, colori acrilici e tecniche di stampa digitale

Alcune osservazioni in merito al mercato :

• Numerosissimo l ‘afflusso di collezionisti europei, cinesi e koreani;
• Gli acquirenti provenivano da cento diversi paesi e quattrocento musei e quasi centomila visitatori in termini di pubblico ; 239 erano le gallerie e 4000 gli artisti presenti
• Le vendite sono andate bene nonostante si provenisse da due settimane fibrillanti alle aste newyorkesi ; Michael Findley , direttore della famosa galleria Aquavella di NY, ha dichiarato ad ArtEconomy24 che “I compratori confrontano i prezzi e vogliono negoziare, sono informati, non sono interessati ad arrivare per primi, ma ad acquistare opere da conservare nel tempo”.
• Fra gli artisti storicizzati, i record di vendite spettano all’americana Joan Mitchell (Levy Gorvy di New York ha venduto un Untitled del 1959-olio su tela- per 14milioni di dollari ; Hauser & Wirth una tela del 1959 per la stessa cifra ; Zwirner un pezzo del 1959 a 7.5 milioni di dollari ). In vista di due importanti mostre istituzionali in Usa nel 2019, i prezzi della Mitchell son destinati a salire. Anche Louise Bourgeois da Hauser&Wirth è stata una delle artiste che ha raggiunto un valore alto : Le Tre Grazie del 1947 ha toccato i 4.75 milioni di dollari. Andy Warhol da Pace con un ritratto della  Garland è stato venduto a un prezzo non svelato.
• Brillanti e ‘sociali’ i giovani artisti alla sezione dei  contemporanei: da Esther Schipper di Berlino si stagliava un grande lavoro di Anri Sala realizzato insieme a bambini rifugiati, ad ognuno dei quali l’artista ha chiesto di addentare una mela e osservare le tracce del morso. Una riflessione sulla propria identità, ma anche sul processo di schedatura dei rifugiati. Le fotografie dei frutti, ritoccate a pennello, sono state appese ad altezze diverse a riprodurre le note sullo spartito dell’inno nazionale tedesco (il prezzo non è pervenuto).
• Si è fatto notare il giovanissimo francese Jean Marie Appriou ( da Eva Presenhuber), che parte da basi fiction per creare sculture figurative ( teste) in materiali tradizionali.
• Si è fatto notare inoltre un magnifico  Kounellis : con un “untitled” del 1966, una rosa nera di grandi dimensioni (prezzo di vendita 5,5 milioni di dollari). Provenienza ignota. (*)

Art Basel non è una fiera, è un simbolo – evento centrale nel sistema dell’arte , così iconico da sovrastare persino il suo stesso contenuto. E’ brand, moda, sistema, cultura e ,  naturalmente,  business.

(*) Il sole 24 ore , 24 giugno 2018, per le quotazioni delle opere; S.A.Barillà.

PUO’ IL MERCATO PROSPERARE NELLA SHARING ECONOMY?

Per un consulente d’arte, un aspetto estremamente interessante è capire il mercato e districarsi fra i cambiamenti e le tendenze. 

Fra gli articoli più interessanti letti sul mercato dell’arte, spicca quello in The art Newspaper di giugno . Qui Melanie Gerlis affronta il tema dell’economia globale in relazione alla chance dell’arte di prosperare e vendere . Perché l’arte, per poter continuare a creare idee , deve vendere. Ça va sans dire.

Il primo punto fermo della sua analisi è che i millenials non sembrano mostrare lo stesso gene della generazione precedente in tema di collezionismo.

“Nessuno vuole più possedere nulla. Si tratta di fare esperienza delle cose, condividerle e essere-nel-momento. Dalla rivoluzione digitale, gli algoritmi prevalgono sul mondo fisico” . 

POSSEDERE O FARE ESPERIENZA

L’affermazione non è senza peso.

Secondo un certo punto di vista, questa è una cosa magnifica che ha contribuito a far fiorire il crowdsourcing  e il riutilizzo di materiale per produrre nuovi oggetti, ad esempio. Secondo un altro, non è una buona notizia : il mercato dell’arte si affida al culto del possesso. Un collezionista che non vuole possedere non è un collezionista .

Questo passaggio dalla proprietà a una sorta di economia condivisa, in cui ad esempio funzionano compagnie come Uber e Airbnb, è all’ordine del giorno dei temi importanti per i leader del mercato.

Un consulente d’arte si chiede : l’arte del futuro sarà più un oggetto di esperienza? Si venderanno esperienze ? 

Mark Spiegler, direttore generale di Art Basel, la  fiera più importante e trendy al mondo, dice che non si dovrebbe sopravvalutare questa tendenza dei tempi che arriva anche nel mercato dell’arte , ma va sicuramente tenuta in considerazione .

Ci sono alcuni effetti positivi per l’arte in tutto questo: se da un lato la ‘feticizzazione‘ dell’unico potrebbe essere in diminuzione, i lavori in molteplici edizioni,  quali fotografia, stampe e ceramiche, sono sempre più popolari e aiutano ad espandere l’appetibilità del mercato artistico.

Alcuni Musei, inoltre, invitano i visitatori a condividere su Instagram i lavori esposti, che ancora una volta è segno di democratizzazione dell’audience potenziale per l’Arte.

Condividere e supportare diviene più interessante dell’acquisire o dell’investimento finalizzato alla speculazione, come afferma Alain Servais, membro di FRIENDS OF LISTE,  un brillante programma che ha ridotto le spese per le mostre di dieci delle gallerie della Liste art fair di quest’anno.

Gli intermediari d’arte, fra i quali anche i consulenti d’arte,  stanno sperimentando modi di monetizzare le esperienze (c’è gente che paga fino a 50 $ al giorno per l’esperienza di vedere i dealers vendere arte a Basilea durante Art Basel ).

CONCLUSIONI

 

Il punto in forse è cercare di quantificare quanto esattamente questo cambiamento macro economico cambierà il mercato dell’arte. E’ una nicchia di mercato e le basta una manciata di compratori buoni per tener su le apparenze. 

Ancora, quindi, spiega Spiegler,” le gallerie e gli artisti che possono fare del comprare e possedere arte un ‘esperienza, hanno un futuro naturale garantito” 

Questa tendenza quasi immateriale è molto interessante per un consulente d’arte che sia attento ai movimenti spesso sotterranei e impalpabili dei trends artistici. 

La frase di Jimi Hendrix “have you been experienced?” appartiene più che mai all’attuale nicchia dell’universo economico-artistico. *

*in Fair Dailies, www.theartnewspaper.com